《西方美术简史》读后感

第一篇：《西方美术简史》读后感

意大利文艺复兴中的人文光芒 ——《西方美术简史》读后感

十三世纪末，意大利各城市兴起了一场思想文化运动，后扩展至西欧各国，于十六世纪盛行于欧洲。实际上，是新兴的资产阶级中的一些先进的知识分子借助研究古希腊、古罗马艺术文化，通过文艺创作，宣传人文精神的运动，被称作文艺复兴。这场文化运动对近代早期欧洲的学术生活造成了深刻的影响，遍及文学、哲学、艺术、政治、科学、宗教等知识探索的各个方面。文艺复兴时期的学者在学术研究中使用人文主义的方法，并在艺术创作中追寻现实主义和人类的情感。

文艺复兴时期的作品，集中体现了人文主义思想：主张个性解放，反对中世纪的禁欲主义和宗教观；提倡科学文化，反对蒙昧主义，摆脱教会对人们思想的束缚；肯定人权，反对神权，摒弃作为神学和经院哲学基础的一切权威和传统教条；拥护中央集权，反对封建割据，这是人文主义的主要思想。《西方美术简史》中，提及的文艺复兴时期的意大利的艺术，歌颂了人体的美，主张人体比例是世界上最和谐的比例，并把它应用到建筑上，一系列的虽然仍以宗教故事为主题的绘画、雕塑，但表现的都是普通人的场景，将神拉到了地上。

至于文艺复兴为什么会兴起于意大利，大致有以下原因：首先，中世纪的欧洲，贸易中心集中在地中海沿岸，意大利最早产生资本主义的萌芽，资产阶级希望冲破教会神学的束缚。其次，意大利保有大量古希腊、罗马文化典籍。14-17世纪意大利人才济济，汇集一处。最后，意大利处于丝绸之路的重要路段，较早接受了东方文化，能很好的利用造纸术和印刷术等。

当时意大利涌现了一大批杰出的艺术家，除了“艺术三杰”达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔以外，还有波提切利、曼坦尼亚、乔尔乔内等等。像《蒙娜丽莎》、《最后的晚餐》这样的传世名作，《西方美术简史》都有介绍。通过这本书，我还了解了一些顶级大师的旷世杰

作。

《圣母、圣子和两位天使》陈列于佛罗伦萨乌菲兹博物馆，是菲利波·利比的作品。利比修士是安吉利科修士的弟子，他继承和发扬了老师的抒情诗的优美画风并与马萨乔的雄伟的写实主义恰到好处地糅合在一起，形成了自己独特的风

格。与他的老师不同的是，利比的绘画中很难寻到“天使般的”安吉利科所传达的那种坚定的虔诚，而是充满了人间情趣。画中美丽而温情脉脉的圣母，是利比以自己的妻子为模特创作的，圣子的模特则是它们的儿子。利比经常用美丽的女性来作为圣母的模特，他笔下的圣母优美而温柔，充满女性的丰姿，是文艺复兴时期圣母形象的典范。

安东尼奥·波拉约洛的作品《阿波罗与达芙妮》现陈列于伦敦国家美术馆。这是一个凄美而绝望的爱情故事：太阳神阿波罗爱上了山林女神达芙妮，遭到拒绝以后，仍然热情不减地追求她。达芙妮向她的父亲河神求救，于是在阿波罗追上达芙妮那一瞬间，河神把达芙妮变成了一颗月桂树。这也是阿波罗一直戴着月桂花环的来由。波拉约洛所要表现的就是那一刻，阿波罗惊异而绝望，达芙妮脸上则露出了胜利的微笑。波拉约洛是最早进行人体结构研究的画家之一，我们从阿波罗健壮的身体就可以看出他的研究成果。

波提切利的代表作《维纳斯的诞生》，表现女神维纳斯从爱琴海中浮水而出，风神、花神迎送于左右的情景。维纳斯优雅地站在贝克上，在西风神的吹送之下，伴着周围的包着金心的玫瑰，徐徐漂向幽暗的海岸，宛如海上飘送到人间的礼物。岸边是手持一袭华美长袍迎接她的四季女神。这些身材修长、轮廓清晰、线条柔韧起伏的全新人物造型几乎为波提切利所独有。这个维纳斯的姿态，显然是参照古典雕像的样式来描绘的，只是把两只手换了个位置。但波提切利笔下的维纳斯还有其特殊的风韵，这个被认为是美术史上最优雅的裸体，并不象后来某些威尼斯画家所倾心的那种华丽丰艳、生命力过剩的妇女，而面容却带有一种无邪的稚气。

米开朗基罗是文艺复兴时期最天马行空的艺术家，他生于一个低

层的贵族家庭，生活较为富裕，他鄙视绘画，宣称自己一生所使用的工具只有凿子。他迫于教皇的压力才提起画笔绘制的西斯廷天顶画，却成为美术史上最为浓墨重彩的一笔。画面上美妙绝伦的人物涌动着近乎绝望的力量。与天顶画中心形象的热情、有力、大气相比，米开朗琪罗对天顶的横槽与支架上的构图则处理得比较压抑、宁静。安排在模槽里的人物身上，占压倒优势的是宁静、超然物外、淡淡的哀愁的气氛；但是安排在支架里的人物身上，则是不安、焦虑、呆滞的情绪。

现藏于维也纳艺术博物馆的《雪中猎户》是彼得·勃鲁盖尔的作品。因为他喜爱表现农民生活而被称为“农民勃鲁盖尔”，其实他是一个见多识广，很有教养的画家。勃鲁盖尔十分明白什么才可以被看作是土地的精髓，在这幅画中，彻骨的寒意是如此的真切，广袤的雪原又令人心境开阔，画面上众多的人物全然没有妨碍画家展现这样一个恢宏的场面。疲倦的猎户带着沮丧的狗，蹒跚地走过雪地。他们身后的一户人专注于烧烤一头猪，滑雪嬉戏的人们都在各行其是，没有人注意到这美丽而惊人的景色，只有观者在分享画家辉煌的意象。

《西方美术简史》这本书囊括了160位世界美术史上的顶级大师的160幅旷世杰作，我阅读后印象最深刻的便是意大利文艺复兴时期的作品。文艺复兴不是古希腊罗马文化的简单重复，而是标志了资产阶级文化的萌芽，反映了新兴市民阶级的要求。在人文主义的旗帜下，文艺复兴时期的工艺美术也与绘画、雕刻和建筑艺术一样开创了一个崭新的局面。 第二篇：西方美术简史

《西方美术简史》 一、史前时代

西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸

体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在维也纳附近的威伦道夫出土的女性雕像被称为“威伦道夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。

二、奴隶社会时代

进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章。 美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。

古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。

古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。

三、封建社会时代

自公元476年开始，欧洲历史进入封建中世纪。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占庭罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。

四、欧洲文艺复兴时期

14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在追溯古希腊古罗马艺术精神的旗帜下，创造了最符合现实人性的崭新艺术。

意大利的达.芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表被誉为“文艺复兴三杰”。达.芬奇既是艺术家又是科学家，其杰作

《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》等皆被誉为世界名画之首。米开朗基罗则在雕刻、绘画和建筑各方面都留下了最能代表鼎盛期文艺复兴艺术水平的典范之作。他塑造的人物形象，雄伟健壮，气魄浑宏。拉斐尔则以其塑造的秀美典雅的圣母形象最为成功。他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。

五、17世纪时期

17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，它发源于意大利，后风靡全欧。其特点是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。这一风格体现在绘画、雕塑和建筑等各个美术门类中。佛兰德斯的鲁本斯是巴洛克绘画的代表人物，他的热情奔放、绚丽多彩的绘画对西方绘画具有持久的影响。同时代的现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。

六、18世纪时期

18世纪罗可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可美术的特点是追求华丽纤巧和精致。代表画家有法国的瓦托、布歇和弗拉戈纳尔。随着1789年法国资产阶级大革命的到来，进步的美术家们又一次重振了古希腊古罗马的英雄主义精神，开展了一场新古典主义艺术运动。其代表画家是法国的大卫和安格尔。浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起。法国的热里柯的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义绘画的开山之作，而这一运动的主将却是德拉克洛瓦，其绘画色彩强烈，用笔奔放，充满强烈激情，代表作有《希阿岛的屠杀》和《自由领导着人们》等。法国吕德的《马赛曲》和卡尔波的《舞蹈》都是杰出的浪漫主义雕塑作品。

七、19世纪时期

19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者，他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的“人间喜剧”，而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾，表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒，以醇厚真挚的感情，歌颂了辛勤劳作的农民。政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支，以社会民主主义思想和鲜

明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义品质。

19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、凡?高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡?高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。塞尚绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。

八、20世纪时期至今

20世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则，将自然

物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。

第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。杜尚将达?芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义，弗洛伊德的精神分析

学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、马格利特、夏卡尔、达利、米罗等。

第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德?库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、电影广告和各种报刊图片作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、沃霍尔等。

而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦，雕塑家中，安德烈、汉森最为著名。除上述之外，可以归入现代艺术范畴的还有偶发艺术、大地艺术等。其许多艺术活动已经超出了美术的范畴。

一，具象艺术的概念

较写实，有形象可辨美术作品，具象艺术是比较宽泛的概念。 二，具象艺术的特点： 1，视觉的真实性、客观性 2，艺术形象的典型性 3，情节性，又称叙事性 三，典型具象艺术形式

古典油画、中国工笔画、写实雕塑 四，具象艺术的典型----照相写实主义 代表画家：克洛斯（美国）

五，具象艺术的极端----超级写实主义 代表画家：冷军(中国） 六，具象艺术的历史价值及意义 1，当记录作用，特别在没有照像机之前

2，具有社会干预的作用，如中国革命时期，起宣传作用，因为是大众能够理解的艺术形式

3，现代，具象艺术并非最前卫，但它仍然是主流 抽象艺术

抽象，是指一些艺术家们，从自然的诸形态，渐进升华至抽象，而达到的一种非具象的观念。

两种抽象艺术 （一）冷抽象

蒙得里安（187--1944），荷兰抽象主义画家，其艺术被称为“冷抽象艺术”或“几何抽象”。1913年后的绘画以几何性符号式的绘画为主，他在平面上把横线与竖线相结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色及灰色。这些新造型主义的抽象艺术及其理论，不仅影响了西方抽象绘画和雕塑，还对现代广告、家具、服装设计、印刷和建筑产生了深远的影响。

（二）热抽象

康定斯基（1866--1944），俄国抽象主义画家，“抽象艺术之父”，其艺术被称为“抽象艺术”或“抒情抽象”。康定斯基擅长油画、水彩画和版画。早期作品采取印象主义技法，1910年开始采用音乐名称，形象几乎是用色彩的块面和线条图案暗示出来，如《即兴曲》等。以后则是纯抽象的绘画，后又转向几何的抽象，其画风充满着幻想、幽默的趣味。

印象主义 早期印象主义

印象主义(impressionl9n)在19世纪60一70年代以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒是反对陈陈相因的古典画派和沉缅在中世纪骑士文学而陷入矫揉造作的浪漫主义

在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而据弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。

在印象主义内部存在着两种类型的画家群。一是以莫奈为代表，一是以德加为代表。莫奈

1840年在巴黎出生，少年时代在面对英吉利海峡的港口城市拉·阿布尔度过。1874年4月，莫奈、雷诺阿、毕沙罗、西斯莱、德加、塞尚、莫里索、基约曼等青年画家，在巴黎卡普辛大街借用摄影师那达尔(Na—dar)的工作室举办展览，他们自称为“无名的画家、雕塑家和版画家协会”。在展品中莫奈的油画<印象·日出>的标题被一位保守的记者路易·勒鲁瓦在文章中借用作为嘲讽，称这次展览是“印象主义画家的展览会”，“印象主义”由此而得名。

他一直是印象主义画家集团的核心人物，直到1926年以86岁高龄去世。

新印象主义

印象主义之后，在法国出现了被称之为“新印象主义”和“后印象主义”的思潮和派别。

新印象主义的发起人为修拉和西涅克，他们试图用光学科学的实验原理来指导艺术实践。

原来学建筑的西涅克，与修拉密切合作，共同进行分割色彩理论和实践的探索，创造点彩派的体系。

后印象主义

被称作后印象主义的画家有，塞尚、高更、凡高、雷东等。这些画家经常在一起参加展览，但从未组成过团体，即使象印象主义那样松也没有。

“后印象主义”一词是在20世纪20年代后才被普遍使用的。它被用来泛指印象主义之后在观念和实践上与印象主义相左的艺术潮流。

“后印象主义”画家曾一度受印象主义画风的影响，但又不满足于印象主义的法则，试图另辟蹊径，他们从各个角度探讨艺术表现的本质。

印象主义绘画作为一种艺术思潮，在人类艺术进入20世纪以前，无论从观念还是形态上，都做了有益的尝试，尤其是后印象主义在主观与客观、艺术与自然的关系上的观念变革，具有划时代意义。 第三篇：西方绘画简史

桑德罗·波提切利《春》赏析 桑德罗·波提切利是15世纪末佛罗伦

萨的著名画家，也是欧洲文艺复兴早期佛罗伦萨画派的最后一位画家。波提切利生于一个意大利佛罗伦萨的手工业者的中产阶级家庭，原名亚里山德罗•迪•马里亚诺•菲力佩皮，“波提切利”是绰号，原意为“小桶”。先是和马索·非尼古埃拉一起学习，制造金银首饰，后又成为画家菲力浦·利皮的学生。1470年，他自立门户，开设个人绘画工作室，很快就受到美第奇家族的赏识，向他订购了大量的画作。与强大的美第奇家族保持着良好的关系也使画家获得政治上的保护，并享有有利的绘画条件。此外也是通过这一层关系，波提切利得以接触到佛罗伦萨上流社会和文艺界名流，接触各方面多种的知识，开拓了视野，并为他的艺术打下精雕细琢、富丽堂皇、华美多采的贵族印记。他的风格到了19世纪，又被大力推崇，而且被认为是拉斐尔的前奏。他宗教人文主义思想明显，充满世俗精神。后期的绘画中又增加了许多以古典神话为题材的作品，风格典雅、秀美、细腻动人。特别是他大量采用教会反对的异教题材，大胆地画全裸的人物，对以后绘画的影响很大。

在美第奇家族掌权期间，波提切利为他们做了多幅名画，声名大噪。1477年他以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为罗伦佐·美第奇新购置的别墅绘制了著名的《春》。这幅画已经和《维纳斯的诞生》一起，成为波提切利一生中最著名的两幅画作。

首先，介绍一下《春》这幅作品。作品取材于当时的著名诗人波利希安的寓言诗。从画面的右边向左看过去：西风神赛弗尤罗斯鼓着腮帮子飘然而入，追赶着大地之仙女克罗丽丝。他的到来使最右边的这棵树也折弯了腰，仙女克罗丽丝使劲的企图摆脱西风神的追赶，最终没有逃过西风神的拥抱。克罗丽丝的口中溢出了鲜艳的花朵，纷纷而落。飘在花神费罗拉的身上，形成一件美丽的外衣，如同大自然一样，曾经是一片白色的大地，转眼间已经是鲜花盛开，生机盎然。波提切利在这里正是以绘画的形式，描绘出了奥凡提奥斯的诗意。克罗丽丝是大地的仙女，西风神就是春风。春风吹过，大地花开，美丽的花神随之诞生了。这个过程同时也表现了人生道路上春天到来的丰姿。画面左端描绘的三美神舞动着春天彩霞般的轻纱，手拉手在翩翩起舞。

这在文艺复兴时期可以说是女性美的典型，在形象上波提切利将她们描绘的十分相像，又有微妙的差异。三人中从左至右第一个美神动态幅度最大，头发松散地披着，胸前别着一根别致的胸针，衣服格外华丽、内外起伏，整个姿态显示了她内心剧烈的冲动，这些特征说明了她就是“爱欲”的化身。相反中间的一位，无任何娇饰，衣着也极为朴素，表情严肃，无疑她就是“纯洁”的化身了。在朴素、雅静的“纯洁”和华丽、热情的“爱欲”的接触中，“美”诞生了。三美神中，“纯洁”和 “爱欲”的对抗，“纯洁”的左肩衣服脱落下半截，暗示了爱的诱惑，作者在这里表现了爱的觉醒与美的追求。从而自然的引出了作品的主角——美和爱的化身女神维纳斯。她位于两组人物的中间，又稍高一点。飞在上面的丘比特之箭恰好对着“纯洁”之神。作品展示了充满着春的欢欣的众神形象，这种对于人性的赞美，具有非凡的美感。

这是一幅描绘大地回春，欢乐愉快的主题。然而，画中人物的情态，画面并无欢乐之气氛，像春天里吹来一阵西北风，笼罩着一层春寒和哀愁；若有所思的维纳斯，旁若无人，进入自己的内心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，颇有逢场作戏的感觉，令观赏者不解。自文艺复兴始，人文

主义精神渗入文艺创作，画家往往借助于宗教神话题材和神的形象，寄托自己对社会、自然和人生的思想情感，传达自己的理想，在波提切利所塑造的艺术形象中，都寓含着对现实的惶恐不安。画家当时体弱多病，抱病从命作画，这种心境所创造的艺术形象自然也就忧郁哀伤了。

《春》从绘画技法来讲由于没有采用当时已在法兰德尔流行的油画技法，而是采用传统的蛋清画法。画面上华丽的装饰效果反而更加强烈。由于蛋清干后会使颜色形成坚硬的一层，是一种透明的颜色，因此在这幅画上我们可以感受到那接近水彩画的纯净，透明的效果。在绘画史上，有许多作品描绘春天，然而还没有一幅作品能与波提切利的这幅《春》相媲美。可以这么说，这幅画已经尽善尽美地表现了春天的美和典雅。波提切利在这幅画里，构图上采用了平面的装饰手

法，将众多的人物安排在了适当的位置上。画面上一共九人从左至右一横列排开，没有重叠、穿插，并且根据他们在画中的不同作用，安排了恰当的动作。作为主角的女神维纳斯所处位置比其他人稍后一点。画面像一幕正在上演的舞台剧，布景是一片带金色的暗褐的小树林。

《春》这幅作品，又被称为《维纳斯的盛世》。在中世纪的宗教绘画中，一般只有圣母玛利亚才被安排在拱型之下。波提切利在这里借用了这种形式，在维纳斯身后，波提切利利用树枝与背景天空将树型有意识的留出了这样的一个拱型。深色的背景树林，恰好在她的周围豁然开朗，突出了维纳斯主角的地位。她左手提着衣裙，右手稍微举起，仪态端庄、典雅。关于这一作品的主题，历来众说纷纭。一般认为，它是作者通过对罗马神话中唤醒春天的诸神的富于想象力的描绘，表现人与自然和和谐相处的寓意画。它原是为装饰佛罗伦萨卡斯德罗庄园的餐厅而创作的，体现了意大利文艺复兴早期新兴资产阶级的生活趣味和审美理想。作品表现了波提切利精致明净的独特画风，从而奠定了它在世界美术史上的重要地位。 第四篇：西方绘画简史

西方绘画简史——达芬奇

达芬奇全名为莱昂纳多·达·芬奇，是与拉斐尔，米开朗基罗齐名的意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。达芬奇是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。

达芬奇是一位天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面达芬奇也同时研究自然科学，为了真实感人的艺术形象，达芬奇广泛地研究与绘画有关的光学、数学、地质学、生物学等多种学科。达芬奇的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。这位奇才对各个领域的知识几乎是无师自通，是人类历史上绝无仅有的全才。

达芬奇最大的成就是绘画，他的杰作无一不体现了他精湛的艺术造诣；达芬奇还擅长雕刻、音乐，通晓数学、生理、物理、天文、地

质等科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇认为自然中最美的研究对象是人体，人体是大自然的奇妙之作，画家应以人为绘画对象的核心。世界上什么东西最难画那就是人，而达芬奇却是人类历史上唯一一位人物肖像画作和照相机拍的照片几乎一样的画家。

达芬奇在童年时便有“绘画神童”的美称，14岁被送往佛罗伦萨，师从著名的画家韦罗基奥，开始系统地学习造型艺术。韦罗基奥的作坊是当时佛罗伦萨著名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论学术问题。在这里，达芬奇结识了一大批知名的画家、科学家和人文主义者，开始接受人文主义的熏陶。在20岁时达芬奇已有很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀去表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙。

我们现在比较熟悉的达芬奇形象基本上来自于他那幅著名的自画像，所以一提起达芬奇，我们总是想到一个哲学家般的睿智长者。其实，达芬奇年轻时代可是意大利佛罗伦萨闻名遐迩的美男子，达芬奇的老师韦罗基奥雕塑的那俊美非凡的青铜大卫像据说就是以年轻的达芬奇为模特。达芬奇艺术生涯发展得最顺利的时期是在1482--1499年的米兰。达芬奇的七弦琴拉得不错，他首先是作为一个音乐家而不是画家或者发明家出现并在米兰出名的。这期间他的绘画作品不多，但其无与伦比的才能却极受米兰大公卢多维科·斯福尔扎的青睐。

1499年为躲避战乱达芬奇在曼图亚和威尼斯等地旅游并进行一些科学研究。1500年达芬奇回到佛罗伦萨并开始创作《蒙娜丽莎》。这之后达芬奇再去米兰，并继续服务于米兰宫廷。1513 年移居罗马，罗马对于达芬奇来说并不是很讨人喜欢的地方。他在那里做了短暂的停留，见到了米开朗基罗和其他当时在罗马的画家，但并没有显露他任何的艺术天才。达芬奇在那里基本上是研究一些类似于魔法的小把戏，以至于罗马人当他是巫师一类的人物。1515年达芬奇移居法国，最后定居昂布瓦斯。达芬奇晚年极少作画，潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，几乎无所不包。达芬奇一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显

的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的。

他的人物肖像画画的和真人最为接近。他说，“绘画是自然的唯一模仿者，绘画包罗自然的一切形态在内，它能够将自然界中转瞬即逝的美生动地保存下来” 绘画能比语言文字更真实更准确地将自然万象表现给我们的知觉。

多奇妙的科学！你生动地保存了人们昙花一现的美，使它比那些随时光而变易，并且终于老朽的自然创造物还要经久，这样的科学和神圣的自然的关系，犹如它的作品与自然作品的关系，因此受人钟爱。天生丽质的美，将随年月的消逝而迅即磨灭，除非有画家把它画下，方可保存永久。绘画容易保存，使它经得起岁月的磨蚀。绘画保存了美，否则它将被自然和时间磨灭。我们靠绘画保存了名人的相貌。铜匠作品比绘画作品还要耐久，他们的作品比之你们或我们的作品更经得起岁月的磨蚀。但是他们缺乏想象”。

在照相机和电视发明之前，绘画无疑是自然的唯一模仿者。知识是建立在真实之上的，绘画是传播知识的最好桥梁。

画家应以现实世界（即自然）为对象来作画，这样画出的画才是真正有用的画。也就是说画家画的东西应该是真实（即现实世界真正存在的事物）的。

绘画作品有两个作用：第一是传播知识；第二是让人能欣赏到美。达·芬奇是人类历史上第一个真正意识到绘画的这两项作用的人。而且达芬奇的绘画作品，完全起到了这两个作用。达·芬奇主张绘画不仅要求形似，而且更要求神似；要求画像在比例、透视等方面都正确，更要求它们的动态能表现出他们“心灵的意向”。

达·芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。

最后，引用达芬奇的一句名言：你如果要做一个艺术家，你要牢

记，必须开拓你的胸襟，务必使心如明镜，能够照见一切事物，一切色彩。世间万物都具有其艺术性，我们要在丰富的艺术活动中和实践中不断开拓自己的眼界，充实自己各方面的知识，不断丰富涵养，做一名生活的艺术家。 第五篇：西方音乐简史

1.475年至1450年--中世纪

中世纪（即从475年西罗马帝国灭亡，欧洲封建社会建立开始，至文艺复兴以前的一段“黑暗”时代）欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教。那时唯一合法的、正统的音乐形式是起源于四、五世纪的圣咏（chant），包括占主导地位的格里高利圣咏和更古老的安布罗西圣咏（后者至今仍在米兰的教堂中使用）。这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），分为利底亚、弗里几亚等四种调式及其变格调式。一开始欧洲还没有合适的记谱法，只能采取口耳相传的方法记录流传音乐文献。后来最早的记谱法“纽姆谱”发展出来，但只能用简单的线条暗示音的长短高低。总的来说，中世纪欧洲音乐除了宗教音乐与其它艺术一样遭到压制，但在虔诚的宗教信仰激励下音乐家们（那时都是教士）创造了不少优秀的圣咏精品，难怪前几年有一张圣咏唱片（由西班牙一个修道院的修士演唱）在Bill Board排行榜上名列前茅数月之久。单声的声咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。

2.1450年至1600年--文艺复兴 十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势开始衰落；同时欧洲一些地区如意大利日益繁荣的贸易和手工业造就了最早的产阶级和金融贵族，城市经济的发展产生了大批的市民。他们迫切要求有为自服务的艺术形式，反对教会的束缚，宣扬以人而不是以神为本的人文主义，在文学、建筑、美术也包括音乐 域里展开了轰轰烈烈的文艺复兴运动。

音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。那时一批有才华的音乐家云集在勃艮第（相当于今天法国北部、比利时一代）宫廷，显示出一派歌乐升平的气象，被称为“法兰德斯乐派”。此时音乐家们主要

使用一些日益改进的弦乐器如诗琴，音乐内容开始涉及世俗生活，记谱已经使用点线组合的形式，称的上是今天五线谱的鼻祖，到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。

宗教音乐也继续发展。一个重大事件是马丁·路德的宗教改革，宣扬人人皆可凭借虔诚信仰与上帝相通。路德创造了众赞歌这一群众化的音乐形式，由教徒在礼拜仪式上自行演唱。同时，罗马教庭为了对抗宗教改革，力图强化圣咏在宗教音乐中的统治地位。帕莱斯特里那发展了织体复杂的多声部圣咏，把这一体裁推向了发展的高峰。

在16世纪后期，中世纪的调式音乐逐渐进化成以大小调为基础的调性音乐；人文主义者也发出了“与对位法战斗”的呼喊，单声音乐随著古希腊和罗马衰亡而消失1000年后再次回到了历史舞台上。

3.1600年至1750年--巴罗克时代

巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代。在这150年的历程中，歌剧、协奏曲、奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。感兴趣的读者可以参阅精华区在下的拙作《巴罗克实况》，在此不加赘述。.1750年至1827年--古典时期

1750年巴赫逝世后欧洲复调（即由多个并行发展的旋律线交织成复杂的织体作曲手法）后继无人，早在此二十年前欧洲乐风就转向简洁实用的主调（即旋律+和弦的作曲手法）。

在这个时代大显身手的是维也纳古典乐派的三位大师：海顿（交响乐之父）、莫 扎特（音乐神童）、贝多芬（乐圣）。在欧洲启蒙运动和大革命的洗礼中，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的作品具有丰富的哲理内涵。

5.1827年至19世纪末--浪漫主义时期

1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。此时的欧洲文化正经受浪主义潮流的洗礼。这一时期的作曲家把作曲作为抒发自我感情的手段，作品中现出他们内心中丰富复杂的感情。这一时期还涌现出一大批演奏家，如帕格尼、李斯特等，多以辉煌的炫技手法给人以强烈的审美冲击。十九世纪中后期随欧洲民族主义思潮的抬头，一

些民族国家开始有了用自己民族音乐语言进行创的音乐家如芬兰的西贝柳斯、挪威的格里格、俄罗斯的强力集团等，可称之为族乐派。

6.19世纪末至20世纪初--印象主义潮流

音乐上的印象主义与绘画上的印象派或有相通之处--都十分注重色彩(尽管音色彩和颜料的色彩不同)和外界景象在艺术家本人心中的印象。德彪西和拉威尔此派的代表人物。

7.20世纪--多元化的发展趋势

20世纪西方音乐发展方向多元化。影响较大的有本世纪初勋伯格的十二音体和斯特拉文斯基的新古典主义等。勋伯格的十二音作曲法彻底废弃了统治欧洲 音乐近400年的调性体系，十二个音有同等重要的地位，这一体系为他的弟子贝尔格所继承。斯特拉文斯基的新古典主义崇尚复调和对位法，在调性方面采用多调，并不象勋伯格的无调性走的那样远。

20世纪特别是战后西方音乐发展流派众多，如无声音乐、噪声音乐、微分音乐等，电子合成器等新的技术手段更为标新立异的音乐家们提供了新的武器。西方音乐发展潮流日益多元化，不象以前可以冠以“xx时代”。

也许叙述过去的一千年音乐的发展容易，预测这一千年音乐的发展趋势确实困难。人类的听觉艺术--音乐将何去何从？我们所能做的，不仅只有在有生之年拭目以待，也许我们的某种思潮，会将音乐的潮流引向一个新的地方„„